Die Künstlerin Rachel Lebenas – “inoffizielle” Kulturbotschafterin Argentiniens

Von Susanne Franz

Eigentlich ist sie Schauspielerin, und in dieser Eigenschaft reiste Rachel Lebenas im Jahre 1976 nach Uruguay, um dort in der Botschaft einige Angelegenheiten für ihren Mann, den Theaterregisseur Max Berliner, zu regeln. Der Botschafter sah die Mappe der Autodidaktin, wollte ihre Bilder sehen – und erkannte sofort, dass er hier etwas Besonderes vor sich hatte. So kam die erste Ausstellung Rachels zustande, in Tel Aviv – gemeinsam mit Werken von Picasso, Dalí, Miró und Chagall. Letzterer hat sie nicht nur künstlerisch und menschlich stark beeinflusst, sondern war ein persönlicher Freund. Wie übrigens auch Jorge Luis Borges, dessen metaphysische Erzählungen Rachel illustrierte – und ihnen so die visuelle Dimension gab, über die der Meister nicht mehr verfügte.

Seit 1976 ist keine Ruhe mehr eingekehrt. Mit mehreren Ausstellungen pro Jahr ist die Künstlerin unglaublich aktiv. Quer durch die Kontinente ist sie mit ihren Werken gereist, und überall löste sie begeisterte Reaktionen aus: in der Kunstwelt, in der Presse und in diplomatischen Kreisen.

Ihre Ausstellungsreisen nach China, Japan, Thailand, Indien, Korea, Indonesien, in die USA, nach Australien, durch fast ganz Lateinamerika, nach Spanien, Frankreich, Russland und Österreich (und das sind nicht alle) haben Rachel Lebenas beeinflusst – sie malt viel vor Ort, mit allen ihr zur Verfügung stehenden Mitteln, in allen möglichen Techniken. Besonders die chinesische Kunst hat es ihr angetan. So entstand die chinesische Serie, mit faszinierenden Farben und angedeuteten Tuschezeichnungen.

Beinahe hätte es auch in Deutschland geklappt. Der ehemalige Kulturattaché der deutschen Botschaft, Heinz Peters, der einen sehr guten Kunstverstand hatte (einige von ihm geförderte Künstler wie Mario Pérez oder Eduardo Esquivel aus San Juan sind inzwischen bei internationalen Galerien wie Praxis unter Vertrag), wollte eine Ausstellung organisieren und sprach auch die Empfehlung aus, Lebenas’ Werke für Botschaften zu kaufen. Leider hat jemand an entscheidender Stelle nicht auf ihn gehört; die Initiative verlief im Sande.

Rachel ist eine Art “inoffizielle” Kulturbotschafterin Argentiniens geworden. Mit ihrem durchs Theaterleben geschulten Auftreten, ihrem von großer Herzlichkeit und respektvollem Abstand geprägten Kontakt mit anderen Menschen, aber vor allem mit ihrer Kunst ist sie die ideale Persönlichkeit für diese Rolle, die ihr das Schicksal zugespielt hat. Ihre Bilder? Ein Rausch an Farben, Bewegung und Emotionen. Innerstes nach außen gekehrt. In ihren Werken kommt zum Ausdruck, dass Rachel Lebenas einen Ort gefunden hat, nach dem sich alle sehnen – die Quelle der Inspiration und Kreativität, die es uns ermöglicht, aktiv etwas zu bewegen und zu verändern: den Akt der Schöpfung nachzuvollziehen, um dadurch erst wirklich Menschen zu werden.

Gerade junge Leute sind vom Werk Lebenas’ fasziniert. “Sie spüren, dass das hier echt ist”, sagt Rachel. Bei ihrer letzten Ausstellung in der OEA mit über 60 Werken, die gerade zu Ende gegangen ist, haben sich wieder viele Interessierte für ihren Zeichen- und Malereiunterricht angemeldet, den sie nach einer eigenen Methode durchführt, die auf Chromotherapie und Energetik beruht. Dies diene der Entwicklung der Kreativität und helfe beim Entstehen der künstlerischen Persönlichkeit, betont die Ausnahme-Künstlerin.

Erschienen im “Argentinischen Tageblatt” am 03.02.2001.

La artista Rachel Lebenas, la embajadora artística “no oficial” de la Argentina

Por Susanne Franz

En realidad, Rachel Lebenas es actriz y en esa condición viajó al Uruguay en 1976 para resolver allí en la embajada algunos asuntos de su esposo, el director de teatro Max Berliner. El embajador vio la carpeta de la autodidacta, quería ver sus dibujos. Al instante, reconoció que tenía algo muy interesante en sus manos. Así se hizo la primera exposición de Rachel en Tel Aviv, al lado de obras de Picasso, Dalí, Miró y Chagall. El pintor francés de origen bielorruso no solo fue una gran influencia humana y artística para ella, sino también un gran amigo. Por cierto, también fue amiga de Borges, cuyos cuentos metafísicos Rachel ilustró y les dio una dimensión visual que el autor de Ficciones no dispuso.

Desde 1976, nunca tuvo paz. Las múltiples exhibiciones por año la convirtieron en una artista con mucha actividad. Viajó a lo largo y ancho del mundo con sus obras, y provocó entusiastas repercusiones por doquier: en el mundo del arte, en la prensa y en el círculo diplomático.

Todas las exposiciones en diferentes países, China, Japón, Tailandia, India, Corea, Indonesia, Estados Unidos, Australia, toda Latinoamérica, España, Francia, Rusia y Austria (aunque no son estos no son todos) influyeron en las obras de Rachel Lebenas. Pinta en esos lugares, con todos los medios a su disposición, en todas las técnicas posibles. Le fascina especialmente el arte chino. Por eso, terminó creando una serie china con colores encantadores y los expresivos trazos a pluma.

También estuvo a punto de llegar a Alemania. Un ex-agregado cultural de la Embajada alemana, Heinz Peters, muy entendido en arte (algunos de los artistas fomentados por él fueron Mario Pérez o Eduardo Esquivel de San Juan, quienes lograron contratos con galerías internacionales como Praxis), quiso organizar una exhibición y recomendó comprar obras de Lebenas para la Embajada. Lamentablemente, alguien con mayor poder de decisión no lo escuchó y quedó en agua de borrajas.

Rachel es una especie de embajadora “no oficial” del arte argentino. Es la persona perfecta para ese rol que le dio el destino: por su vida en el teatro, por su amabilidad y su respetuosa distancia para relacionarse con los otros y, sobre todo, por su arte. ¿Sus pinturas? Una explosión de colores, movimiento y emociones. Exterioriza lo más íntimo. En sus obras, Rachel Lebenas logra expresar que encontró el lugar que todos anhelan: la fuente de inspiración y creatividad que nos permite movernos y cambiar constantemente. Que no es otra cosa que la manera de entender el acto de liberación que nos hace realmente humanos.

Hoy en día la obra de Lebenas también fascina a los jóvenes. “Sienten que es verdadera”, dice Rachel. En su reciente muestra en la OEA con más de 60 obras, hubo muchos interesados que participaron de sus clases de pintura y dibujo en las que explica su propio método de cromoterapia y energética. Este método sirve para desarrollar la creatividad y ayuda a conformar la personalidad artística, enfatiza la artista de excepción.

Publicado en “Argentinisches Tageblatt” el 3 de febrero de 2001.

Leonel Lunas moderne Klassiker

Von Susanne Franz

Bernis „Manifestación”, ins Heute transportiert.

Leonel Lunas digitale Gemälde sind großformatige Foto-Montagen mit zum Teil übermalten Passagen, die sich in der Komposition bis auf zwei Ausnahmen auf Vorbilder aus der argentinischen Kunstgeschichte berufen. Vor allem Antonio Bernis Werk hat es Luna angetan: So inszeniert er vier seiner in der Galerie Luisa Pedrouzo gezeigten Werke in der Tradition der Bemi-Figur Juanito Laguna, indem er als Modell die Galeristin Fernanda Laguna auf einer gigantischen Müllhalde posieren lässt, im Hintergrund einmal die desolate „Skyline” von Buenos Aires, ein anderes Mal ein tristes Vorstadtbild; oder ein tiefroter Himmel, der die Szenerie auf einen anderen Planeten zu verlegen scheint. Dass Humanität und Schönheit in der verzweifeltsten Situation existieren, möchte der Künstler mit diesen sozialkritischen Werken ausdrücken.

Bernis „Manifestación” transportiert Leonel Luna auf beeindruckende, dramatische Art und Weise ins Heute. Die schweigenden Protestierenden im Vordergrund, dahinter eine dunkle Menschenmasse, ein Lichtstreifen, eine stumme Häuserfront, ein wild beleuchteter Himmel verdichten sich zu einer bedeutungsschweren Atmosphäre – die Ruhe vor dem Sturm.

Eduardo Sivoris „El despertar de la criada” aktualisiert Luna in „El despertar de la soltera” zum Porträt einer selbstsicheren jungen Frau von heute, deren „Single”-Dasein selbst gewählt ist. Juan Manuel Blanes’ schreckliches „La fiebre amarilla” hat der Künstler seiner eigenen Ansicht nach entschärft, die tote Mutter auf dem Boden scheint in einen entrückten Schlaf gefallen zu sein. Allerdings drückt er anhand des zentral beleuchteten Gesichts des älteren Kindes, das vertrauensvoll die hereinkommenden Ärzte ansieht, alles Übel aus, das Kindern in der Welt heute zustößt, ohne dass sie sich wehren können.

Schönheit und Leid sind im Werk Leonel Lunas subtil miteinander verflochten. Die künstlich erzeugten Welten seiner Foto-Montagen schaffen zwar Distanz, ermöglichen dem Betrachter aber doch einen direkten und unmittelbaren Zugang zu den Werken. Kritisch und humorvoll „zitiert” Luna die Klassiker, gibt ihnen für die Gegenwart Brisanz und wirft durch sie allgemeingültige Fragen auf.

Erschienen im “Argentinischen Tageblatt” am 21.9.2002.

Los clásicos modernos de Leonel Luna

Por Susanne Franz

La “Manifestación” de Berni, actualizada.

Las “pinturas digitales” que expone Leonel Luna en la galería Luisa Pedrouzo son foto-montajes de gran tamaño con elementos pintados, que —salvo dos excepciones— tienen en su composición como referencia los clásicos de la historia del arte rioplatense. Entre ellos, lo que le interesa especialmente a Luna es Antonio Berni: cuatro de las obras son puestas en escena en la tradición de la figura de Juanito Laguna, uno de los protagonistas de la obra de Berni. Como modelo para encarnar a la figura de Juanito, Luna eligió a la galerista Fernanda Laguna. La hizo posar sobre un basural gigante, y puso como fondo, en un caso, la silueta desolada de Buenos Aires, en otro una imagen triste de un suburbio pobre; en un tercero un cielo rojo oscuro con el cual toda la escena parece trasladada a otro planeta. Con esas obras de crítica social, el artista expresa su convicción de que la humanidad y la belleza existen aun en las situaciones más desesperadas.

La “Manifestación” de Berni es trasladada al hoy de una manera impresionante. Los manifestantes silenciosos en primer plano, detrás una multitud oscura de personas, una franja de luz, unas fachadas de casas fantasmales, y un cielo salvajemente iluminado crean una atmósfera densísima, llena de significado: la calma que precede la tormenta.

“El despertar de la criada” de Eduardo Sivori, actualizado por Luna, se llama “El despertar de la soltera”. Es el retrato de una mujer moderna, segura de sí misma, cuya vida como “single” es una elección propia. Según el artista, suavizó un poco el terrible “La fiebre amarilla” de Juan Manuel Blanes: la madre muerta echada en el piso parece haber caído en un sueño extasiado. Pero la cara iluminada del niño más grande, que mira con tanta confianza y esperanza a los médicos que entran a la pieza, parece demostrar todos los horrores que tienen que sufrir los niños en el mundo, sin tener la más mínima posibilidad de defenderse.

La belleza y el sufrimiento se unen de manera sutil en la obra de Leonel Luna. Con los universos artificiales de sus foto-montajes crea distancia, pero logra a la vez que el espectador se acerque de manera inmediata a sus obras. Luna “cita” a sus clásicos con una mirada crítica y sentido de humor, les da una chispa explosiva trasladándolos a la actualidad, y así plantea preguntas existenciales.

Publicado en “Argentinisches Tageblatt” el 21/9/2002.

Omar Panosettis Installation “Cayetano”

Von Susanne Franz

Alljährlich am 7. August, am Tag des Heiligen Cayetan, brechen gläubige Argentinier zum großen Pilgermarsch nach Liniers auf, um Brot und Arbeit zu erbitten. Kilometerlange Schlangen bilden sich vor dem Altar, und die Bittsteller bringen Devotionalien wie Heiligenbildchen mit, um Sankt Cayetan gnädig zu stimmen.

Buntes kitschiges Lokalkolorit, Mythen und Legenden des Volkes und dessen religiöse Verehrung und Demut angesichts seiner desolaten Lage verbindet Omar Panosetti in seiner Installation “Cayetano” mit frechen und respektlosen Referenzen zu einem einstmals geplanten Arbeiterdenkmal in der Tradition sozialistischer Monumentalarchitektur, erotischen Motiven und urbanen Anekdoten auf bedruckten T-Shirts. An der Wand lehnen Weizengarben. Wie immer verbinden sich bei Panosetti Sozialkritik und eine scharfe politische Analyse mit einem gehörigen Schuss intelligenten Humors und hintergründiger Ironie.

Im Rahmen der Ausstellung “Documentos” in der “Fundación Federico Jorge Klemm” sind neben Panosettis Installation auch Gemälde von Patricio Larrambebere und intervenierte Fotografien von Eduardo Molinari zu sehen.

Erschienen im “Argentinischen Tageblatt” am 11.5.2002.

La instalación “Cayetano” de Omar Panosetti

Por Susanne Franz

El 7 de agosto de cada año, en el Día de San Cayetano, muchos argentinos creyentes se embarcan en una gran procesión a Liniers para pedir a su Santo pan y trabajo. Se forman filas de kilómetros de largo delante del altar, donde los peticionantes dejan regalos como pequeñas imágenes coloridas de santos, para que San Cayetano sea benigno con ellos y escuche sus pedidos.

La instalación “Cayetano”, de Omar Panosetti, combina impresiones medio “kitsch” de los mitos y leyendas de un pueblo que mantiene la fe y la devoción en medio de una situación desolada con referencias atrevidas y irrespetuosas a un Monumento al Trabajador en la tradición de la arquitectura monumental socialista —un proyecto que nunca fue concretado—, motivos eróticos y anécdotas urbanas que conviven impresas sobre remeras. Apoyadas en una pared, hay gavillas de trigo. Como siempre en la obra de Panosetti, se unen la crítica social y el agudo análisis político con una buena dosis de humor inteligente e ironía sutil.

En el marco de la muestra “Documentos” en la “Fundación Federico Jorge Klemm”, se ven además de la instalación de Omar Panosetti, pinturas de Patricio Larrambebere y fotografías intervenidas de Eduardo Molinari.

Publicado en “Argentinisches Tageblatt” el 11/5/2002.

Das Werk der deutschen Künstlerin Edith Matzen Hirsch

Von Susanne Franz

Eigentlich ist sie als Malerin ausgebildet, doch schafft sie am liebsten Graphiken, Objekte und Künstlerbücher. Im Grunde genommen ist sie analytische Denkerin, dennoch ist es für sie von entscheidender Bedeutung, wie sich das Material anfühlt, mit dem sie ihre Werke herstellt. Im Prinzip ist sie Minimalistin, doch schöpft sie aus einem großen Gefühlspotenzial, das sie auf das Wesentliche reduziert.

In Deutschland geboren und herangewachsen, lebt sie seit über 50 Jahren in Argentinien.

Die Künstlerin Edith Matzen Hirsch wurde 1938 in Bollingstedt, einem kleinen Ort in Schleswig-Holstein geboren. 1950 wanderte sie als 11-Jährige mit ihren Eltern nach Argentinien aus. Heute sieht sie hier ihre Heimat, obwohl sie in ihrem Leben zunächst noch viele Reisen unternehmen musste. So kamen ihre Kinder Daniel Luis und Marion Ruth 1973 und 1975 in der Schweiz auf die Welt; mit ihrer Familie kehrte sie erst 1978 endgültig nach Argentinien zurück.

1978 begann Edith auch, Malerei zu studieren. Sie lernte ein Jahr lang bei Cristina Dartiguelongue und Eduardo Serna, aber eigentlich war es Maestro Aníbal Carreño, bei dem sie 1980 bis 1984 studierte, der ihr “die Augen öffnete”, wie sie in einem Gespräch deutlich macht. Sie wird sich klar, dass ihrem Wissen Fundament fehlt, und es wächst das Bedürfnis, die Lücken auszufüllen. Obwohl die Kinder noch klein sind, macht Edith an einer Abendschule das Abitur nach und studiert danach Kunst an der “Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón”, die sie 1989 mit dem Titel “Profesora” abschließt. An der IUNA hat sie außerdem vor zwei Jahren, 2001, ihre “Licenciatura” gemacht.

Gleich nach dem Abschluss der Kunstschule 1989 gründet Edith Matzen Hirsch das Kunst- und Kulturinstitut “Cromos” in Belgrano, wo sie sich mit einem Team hoch qualifizierter Lehrer der Fortbildung von Künstlern widmet. “Es gibt viele, die noch einmal von vorne anfangen”, sagt sie, “und für die sind die besten Lehrer nicht gut genug.” Zugrunde liegt die eigene Erfahrung, die sie während ihres Studiums erlebt hat. Bei Cromos werden neben Workshops in Bildhauerei, Graphik, Malerei/Zeichnung auch Kunstgeschichte, neue Technologien, Digitaldesign für die künstlerische Präsentation sowie Werkanalyse und Schreibwerkstätten für Künstler geboten; auch Musik und Mode haben Raum.

So viel Energie und Arbeitsaufwand, wie schafft sie das? “Es ist einfacher, für andere zu arbeiten, als für mich selbst”, sagt Edith. Dennoch befindet sie sich immer in einem inneren kreativen Prozess. Für ihre eigene künstlerische Produktion arbeitet sie in Serien – sie beginnt sich für ein Thema zu interessieren, “beißt sich fest”, beginnt damit zu spielen und tastet sich an die Methode heran, die sie für am besten geeignet hält, das auszudrücken, was sie möchte.

Den inneren Denk- und Gefühlsprozess mit der äußeren Form, Material und Methode, zu verbinden, ist ihr Anliegen.

Edith Matzen Hirschs Werk hat viel mit der eigenen Geschichte zu tun. Dazu gehört, in der “Fremde” ein neues Heimatland zu haben, und von diesem Punkt aus zu bestimmen, was Deutschsein für sie bedeutet. “Ich bin durch und durch deutsch”, charakterisiert sie sich selbst, “und ich habe nie versucht, etwas zu sein, das ich nicht bin.”

Kann ich stolz darauf sein, Deutsche zu sein? Was vermittele ich meinen Kindern? Was gehört eigentlich mir? fragte sich Edith, und es kristallisierten sich Erkenntnisse heraus, die in ihr Werk eingeflossen sind. So definiert sie: “Die Musik und die Literatur gehören mir.”

Mit einem Gedicht beginnt dann auch Ediths künstlerischer Prozess: “Ich ging im Walde so für mich hin / Nach nichts zu suchen, stand mein Sinn”. Goethe spricht in seinem Gedicht von einer Blume, die mitsamt Wurzeln ausgegraben und in den eigenen Garten verpflanzt wurde. Edith verwendet die Goethe-Worte paradigmatisch für die Verpflanzung einer kulturellen Identität in eine andere Umgebung. “Der Boden muss gut sein, sonst geht man ein”, bemerkt sie. Sie druckt das Gedicht auf handgemachtes Papier, umkringelt ein Wort im Text – “Wurzeln”, und schreibt die Übersetzung mit Bleistift an den Rand – “raíces”.

Mit minimalen, delikatesten Mitteln wird die eigene Verpflanzung in eine andere Kultur thematisiert, und zugleich findet eine Ausweitung auf die Problematik an sich statt: Auswanderung, Vertreibung, politisch Verfolgte, Wirtschaftsflüchtlinge, die globalisierte Welt, in der bodenständige Begriffe wie “Heimat” verschwinden, werden angesprochen.

Edith Matzen Hirsch ist eine konzeptuelle Künstlerin, in deren Werk das Material an sich sinntragend ist – das jahrhundertealte Dichterwort; die Bedeutung Goethes als Universalgenie und Identitätsstifter für die unterschiedlichsten “Deutschen”; die Schrift; das selbstgemachte, sensible Papier; die exemplarische Übersetzung in die andere, romanische Sprache – und dann gerade dieses Wortes, das an die Substanz geht. Konzept und Methode – zu einem Ganzen verschmolzen.

Freier Wille und Vorbestimmung sind ein weiteres Thema im Werk Matzen Hirschs. Es beginnt mit einer alten Karte Schleswig-Holsteins, auf handgeschöpftes Papier gedruckt, darauf Ediths Fingerabdruck. “Ich bin ja auch eine Mischtechnik”, erklärt sie ihre Arbeitsweise recht unkonventionell. Es folgen der Auswandererhafen Hamburg, Stadtpläne vom neuen und alten Hamburg, mit ihrem Fingerabdruck. Schiffchen, die mit in das Werk eingearbeitet sind, symbolisieren die Reise des Lebens, das ständige Unterwegs-Sein des Menschen. “In Bewegung sein bedeutet lernen”, sagt Edith. Dann die Ankunft in der neuen Gesellschaft: Stadtpläne von Buenos Aires, wieder mit dem Fingerabdruck. Er steht stellvertretend für die genetischen Zeichen ganzer Aus- und Einwanderergenerationen. Für Abschied und Ankunft, Verlorenes und neu Dazugewonnenes. Für das, was im Menschen festgelegt ist, und die Möglichkeiten seiner freien Entfaltung.

Es folgt die Arbeit mit Kästen, für Edith sind sie wie konzeptuelle Bücher. Sie arbeitet wie immer in Serien, zum Beispiel verwendet sie bei ihrer Arbeit zum Thema “Zufall und Strategien” Schachfiguren und Würfel. “Viele Dinge kommen von außen”, sagt Edith, “man kann sich nicht alles aussuchen, die Würfel fallen.” Gleichzeitig fließt in diese Arbeiten viel aus ihrer Kindheit mit ein. Ein spielerisches Element stellen auch die Streichhölzer dar, die sie für ihre Serie “Stumme Zeugen” verwendet.

Auf Skulpturen aus Carrara-Marmor – wie bei jedem neuen Material lernt Edith zunächst, wie man Marmor bearbeitet – schafft sie Spiralen: Symbole für die Zeit, die zu einem zentralen Thema ihrer künstlerischen Arbeit wird. Später entstehen zu dieser Thematik Künstlerbücher von hohem ästhetischem Reiz.

Ein wiederkehrendes Element in Matzen Hirschs Werk ist der Vogel. Es beginnt mit Graphiken von einem schreienden Vogeljungen in einem Nest, stark vergrößert, vor das Edith ein Gitterwerk legt, so dass der kleine Vogel eingesperrt und ausgeliefert und um so hilfloser wirkt. Der schockierende Effekt dieser Werke, denen nicht zuletzt eine ökologische Idee zugrunde liegt, erschreckt sogar Edith selbst. Manchmal, wenn man mitten im schöpferischen Prozess stecke, sei man sich der Auswirkungen gar nicht bewusst, sagt sie.

Später öffnet sich das Gitter immer weiter, ein Prozess der Befreiung tritt ein. Heute malt Edith Bilder von frei sich erhebenden Vögeln, die von oben die Dinge betrachten. Selbst mit den Rahmen dieser Bilder gibt sie Acht – sie sind aus durchsichtigem Acryl und haben keinen Rand, denn sie will die fliegenden Vögel nicht wieder einsperren.

Der Kopf steuert die Hand, die das Werkzeug führt, mit der das Kunstwerk geschaffen wird. Im Kopf sind Gefühle und Gedanken -und Erinnerungen: Auslöser für den kreativen Prozess. Was Edith Matzen Hirschs Kunst am besten definiert, ist ihre Suche nach einer Einheit von Theorie und Praxis, von Wissenschaft und Kunst.

“Ich will authentisch, mir selbst treu sein”, sagt sie, und nimmt sich doch in ihren Werken selbst vollkommen zurück. Weil ihre Werke zugleich zutiefst persönlich und ins Allgemeine transzendiert sind, gelingt es der Künstlerin, für alle Menschen gültige Zustände und Prozesse zu beschreiben.

Erschienen im “Argentinischen Tageblatt” am 18.10.2003.

La obra de la artista alemana Edith Matzen Hirsch

Por Susanne Franz

Aunque tenga formación de pintora, lo que más le gusta es crear grabados, objetos y libros de artista. A pesar de que es una pensadora analítica, es muy importante para ella cómo se siente el material con el que produce sus obras. Aunque sea minimalista, posee un enorme potencial de sentimientos que reduce a lo esencial. Nació y creció en Alemania, pero desde hace más de 50 años vive en la Argentina.

La artista Edith Matzen Hirsch nació en 1938 en Bollingstedt, un pequeño lugar en Schleswig-Holstein. En 1950, cuando tenía 11 años, emigró con sus padres a la Argentina. Hoy en día considera que aquí está su hogar, aunque antes de llegar, tuvo que emprender varios viajes más. Así fue que sus hijos Daniel Luis y Marion Ruth nacieron en 1973 y 1975 en Suiza. La familia regresó a la Argentina definitivamente recién en el año 1978.

En ese año, Edith también comenzó a estudiar pintura. Tomó clases durante un año con Cristina Dartiguelongue y Eduardo Serna, pero en realidad fue el Maestro Aníbal Carreño, con quien estudió entre 1980 y 1984, quien le “abrió los ojos”, como cuenta ella. Se dio cuenta de que le faltaban conocimientos fundamentales, y sintió la necesidad de llenar esos huecos. A pesar de que sus hijos aún eran chicos, Edith terminó el bachillerato en una escuela nocturna y luego cursó los estudios de Arte en la “Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón”, que finalizó en 1989 con el título de “Profesora”. Asimismo, hace dos años, en 2001, hizo su licenciatura en el IUNA.

Ni bien finalizó sus estudios de arte, Edith Matzen Hirsch fundó en 1989 el Instituto de Arte y Cultura “Cromos” en Belgrano, donde junto a un equipo de profesores altamente calificados se dedica al perfeccionamiento de artistas. “Hay muchos que buscan un nuevo comienzo”, explica. “Para ellos, los mejores profesores no son lo suficientemente buenos”, es la conclusión de su propia experiencia durante sus estudios. En Cromos se ofrecen, además de talleres de escultura, grabado, pintura/dibujo, también historia del arte, nuevas tecnologías, diseño digital para la presentación artística, así como análisis de obras y talleres de escritura para artistas. Además, tienen su lugar la música y la moda.

¡Tanta energía y tanto trabajo! ¿Cómo lo logra? “Es más fácil trabajar para otros que para mí misma”, explica Edith. No obstante, siempre se encuentra en un proceso creativo interior. Su propia producción artística consiste en trabajar en series. Comienza a interesarse por un tema, “se aferra” a él, empieza a jugar y va tanteando el método que considera el más apropiado para expresar lo que le importa. Su deseo es unir el proceso interior de pensamiento y sentimientos con la forma externa, así como también el material y el método.

La obra de Edith Matzen Hirsch tiene mucho que ver con su propia historia. Eso significa, entre otras cosas, el hecho de tener un nuevo hogar en el “extranjero”, y, partiendo de este punto, determinar lo que para ella significa ser alemana. “Yo soy cien por ciento alemana”, se caracteriza a sí misma, “y nunca intenté ser lo que no soy.”

¿Puedo estar orgullosa de ser alemana? ¿Qué les transmito a mis hijos? ¿Qué aspectos de esa identidad me corresponden a mí?, se preguntaba Edith, y se cristalizaron ideas que han tenido influencia en su obra. Así, por ejemplo, define: “La música y la literatura (de Alemania) me pertenecen.”

Es lógico entonces que el proceso artístico de Edith haya comenzado con un poema de Goethe: “Ich ging im Walde so für mich hin / Nach nichts zu suchen, stand mein Sinn, …”. Goethe se refiere en el poema a una flor que es extraída de la tierra junto con las raíces y plantada en el propio jardín. Edith utiliza las palabras de Goethe como paradigma para el trasplante de una identidad cultural a otro ambiente. “El suelo tiene que ser bueno, sino uno muere”, acota. Imprime el poema en papel hecho a mano, circula una palabra en el texto – “Wurzeln”, y escribe la traducción con lápiz en el margen: “raíces”.

De manera minimalista y delicada se tematiza el propio desarraigo, y simultáneamente se produce una ampliación a problemáticas universales: la emigración, la expulsión, los perseguidos políticos, los refugiados económicos y el mundo globalizado en el que desaparecen conceptos acogedores tales como “hogar”.

Edith Matzen Hirsch es una artista conceptual, en cuya obra el material mismo contiene el sentido. Se unen la centenaria palabra del gran poeta alemán, la importancia de Goethe como genio universal y origen de una identidad “alemana” de lo más diversa; la escritura; el papel sensible y de confección propia; y la traducción justamente de esta palabra esencial. Concepto y Método constituyen una unidad en la obra de Edith Matzen Hirsch.

El libre albedrío versus la predestinación son otro tema en la obra de Matzen Hirsch. En un viejo mapa de Schleswig-Holstein, impreso sobre papel hecho a mano, se encuentra la huella digital de Edith. “También yo soy una técnica mixta”, bromea Edith. En las obras de la serie empiezan a aparecer el puerto de inmigrantes de Hamburgo, y planos de la ciudad del Hamburgo nuevo y viejo, siempre con su huella digital. Aparecen barquitos sueltos que simbolizan el viaje de la vida, la evolución continua del hombre. “Estar en movimiento significa aprender”, dice Edith. La serie sigue con la llegada a la nueva sociedad: ahora son planos de Buenos Aires en las que figura la huella digital de Edith. Representa a las generaciones de emigrantes e inmigrantes, a la despedida y el arribo, a lo perdido y lo ganado. Es símbolo de aquello que está determinado en el hombre y de su libertad.

Sigue su trabajo con cajas. Para Edith son como libros conceptuales. Como siempre, trabaja en series. Por ejemplo, para el tema “Coincidencia y estrategias”, utiliza piezas de ajedrez y dados. “Muchas cosas están determinadas por factores externos”, acota Edith, “no todo se puede elegir, los dados caen.” Simultáneamente, aparecen muchos elementos de su niñez. Ese aspecto lúdico se hace notar otra vez en el uso de los fósforos en su serie “Testigos silenciosos”.

En esculturas de mármol de Carrara –al igual que con todo material nuevo, Edith aprende primero cómo se trabaja el mármol – crea espirales: símbolos para el tiempo, que pasa a ser un tema central de su trabajo artística. Luego surgen sobre esta temática libros de artista de gran fuerza estética.

Un elemento reiterado en la obra de Matzen Hirsch es el pájaro. La serie comienza con grabados de un pichón que chilla en un nido. Delante de esa imágen aumentada a gran tamaño, Edith coloca una reja, de manera que el pichoncito parece encerrado y entregado y, por lo tanto, incluso más desvalido. Estas obras, basadas originalmente en una idea ecológica, son tan desgarradoras que asustan a la mismísima Edith. “A veces, cuando una está inmersa en el proceso creativo, no es consciente de las consecuencias”, comenta.

En obras más recientes, la reja se abre y empieza un proceso de liberación. En la actualidad, Edith pinta obras con pájaros que se elevan y que contemplan las cosas desde arriba. Incluso es cuidadosa con los marcos de estos cuadros: Son de acrílico transparente y no tienen borde. Ella no quiere volver a encerrar a los pájaros libres de ninguna manera.

La cabeza guía a la mano, que sostiene la herramienta con la cual se crea la obra de arte. En la cabeza hay sentimientos, pensamientos, y también recuerdos, que son disparadores del proceso creativo. Lo que mejor define al arte de Edith Matzen Hirsch es su búsqueda de la unidad de teoría y práctica, de ciencia y arte.

“Quiero ser auténtica y fiel a mí misma”, explica Edith. En sus obras, sin embargo, se retrae por completo. Estas obras, aunque surjan de lo profundamente personal, siempre trascienden a lo esencial, y logran, por ese motivo, describir estados y procesos vigentes para todos.

Publicado en “Argentinisches Tageblatt” el 18.10.2003.

Jorge Macchis Ausstellung “Fuegos de artificio”

Von Susanne Franz

Die Blümchentapete, deren niedliches Muster sich so beruhigend immer wiederholt, kracht plötzlich von der Wand. Da liegt ein ganz normales, aus einer Kladde gerissenes Blatt mit ausgestanzten Löchern am Rand. Und plötzlich purzeln diese Löcher von oben quer über das Blatt zu Boden.

Und die in ernsthaften Zeitungen in dicken Anführungszeichen zitierten, ach so gewichtigen Worte bedeutender Persönlichkeiten? Die Zitate sind herausgeschnitten, zwischen den Anführungszeichen befindet sich ein Loch, die buchstäblich leeren Phrasen sind mit Stecknadeln flüchtig auf einen weißen Hintergrund gepinnt, hinter Glas “festgehalten”, nichts sagend.

Was ist unser Körper? Zum Beispiel ein Netzwerk von Arterien, eine komplizierte Konstruktion empfindlicher Schädelpartien, Klappern und Kammern der lebenspendenden Pumpe Herz. Der Künstler Jorge Macchi zeigt uns nur die Erklärungen aus dem Lehrbuch, die Pfeile, die die nicht dargestellten Körperpartien anzeigen, und die Namen dieser Körperteile, die doch Teile vom Menschen sind, von uns, von dir und mir.

Worin äußert sich unsere physische Identität in allem, mit dem wir uns umgeben, für das wir Worte gefunden haben? Haben sich diese Begriffe nicht längst verselbständigt und ihren Sinn verloren? Unsere Spuren blähen sich auf und zerplatzen wie Feuerwerk in der Luft, die Funken unserer Identität glühen kurz auf und verlöschen.

Trügerisch die Realität, die Illusion von Sicherheit, eine “begreifbare” Welt. Wagemutig, skurril und genial ein Künstler wie Macchi, der Zustände “jenseits” der Erklärungen zu zeigen versteht, indem er von den Dingen nur die Form stehen lässt, ihnen den Inhalt aber raubt.

Erschienen im “Argentinischen Tageblatt” am 11.5.2002.

“Fuegos de artificio” de Jorge Macchi

Por Susanne Franz

Da tanta tranquilidad este papel de pared con su dibujito de flores que se repite y se repite… Pero ¿qué pasa?, de repente se desestructura, se rompe, empieza a caer a un abismo.

Por ahí hay una hoja de papel, ninguna amenaza, sólo una hojita normal, sacada de un cuaderno, con agujeros en el borde. Y otra vez ocurre algo rarísimo: los agujeros dan vueltas carnero, cruzan la hoja, y caen al suelo.

¿Y qué pasa con estas palabras tan cargadas de sentido, de personas importantes, citadas en diarios serios, enmarcadas en comillas gordas? Alguien las recorto de adentro de éstas y dejó un agujero. Y después este alguien – aparentemente muy al pasar – sujetó esas frases célebres literalmente vacías con alfileres sobre un fondo blanco, las encerró detrás de un vidrio, donde están condenadas a quedarse, por siempre mudas.

¿Qué es el cuerpo humano? Puede ser la red de arterias, la construcción compleja de las partes del cráneo, los ventrículos y las válvulas del corazón. El artista Jorge Macchi nos muestra solamente las explicaciones de los libros científicos, las flechas que indican partes del cuerpo no representadas, o los nombres de estas partes del cuerpo. Da una sensación extraña, ya no parece tratarse de nosotros, de tú y yo.

¿De qué manera se manifiesta nuestra identidad física en las cosas que nos rodean, para las cuales encontramos nombres? ¿No se han independizado estas palabras hace mucho tiempo y han perdido su sentido? Nuestras huellas se hinchan hasta explotar como fuegos artificiales. Las chispas de nuestra identidad brillan un segundo y se apagan.

Es engañosa la realidad, no hay un mundo entendible. Macchi deja apenas la forma exterior de las cosas y así no sólo plantea preguntas sobre el contenido: lo pone en cuestión. De una manera arriesgada, absurda y genial, muestra un estado más allá de lo explicable.

Publicado en “Argentinisches Tageblatt” el 11/5/2002.

Marcelo Brodskys Fotos, Installationen, Videos und Texte im Centro Cultural Recoleta

Von Susanne Franz

Das Stück des Buchstabens “A” von der Fassade der AMIA fand Marcelo Brodsky auf einer Schutthalde am Río de la Plata, zu der die Trümmer nach dem Bombenanschlag gebracht worden waren. Er zeigt den Stein bei der Ausstellung.

Die Ausstellung “Nexo” des argentinischen Fotografen Marcelo Brodsky beleuchtet auf dokumentarisch-nüchterne und doch emotionsgeladene Art und Weise ein Stück argentinischer Geschichte. “Nexo”, vom lateinischen “nexus”, heißt etwa Verbindung, Bindeglied. Brodsky will sein Leben und Erleben und die Geschichte seines Landes in einen größeren Gesamtzusammenhang eingebunden sehen. Dazu stellt er unterschiedliche historische Begebenheiten nebeneinander; der Betrachter wird dazu angeregt, sie in Verbindung zu bringen. Eine wirkungsvolle didaktische Übung, in der jeder einzelne auch dazu eingeladen ist, eine innere Zwiesprache mit dem Gezeigten zu halten und es mit seiner eigenen Geschichte zu vervollständigen.

Eine Marmortafel der Kathedrale des italienischen Erice ist abgebildet, eingraviert die Daten von 1621 bis 1687. Daneben sind alle Schrecken aufgelistet, die die Stadt heimgesucht haben: Pest, Krieg, Invasionen, Überschwemmungen. Daneben das 20. Jahrhundert nach Marcelo Brodsky, das mit der Einwanderung seines Großvaters nach Argentinien 1905 beginnt. Militärputsche und Demokratien lösen sich ab; der Putsch von 1976 veranlasst ihn, 1978 ins Exil zu gehen. Weiter heißt es: “1979: Sie entführen meinen Bruder. 1980: Mein Bruder ist verschwunden. 1982: Krieg. 1983: Demokratie. 1984: Ich kehre ins Land zurück.”

Mit seinen technisch perfekten und künstlerisch wirkungsvollen Installationen, Foto-Essays und Videos etwa über die Archive der Verschwundenen, die Vernichtung von Büchern, den verfallenen “Bosque de la Memoria” (Wald der Erinnerung) in Tucumán oder den Bombenanschlag auf das jüdische Sozialwerk AMIA 1994 mit 85 Todesopfern leistet Brodsky wertvolle Beiträge zu einer Auseinandersetzung mit der argentinischen Vergangenheit.

In Brodsky Kunst sind die Grenzen zwischen Mahnmal und Kunstwerk oft fließend. Deshalb gehört als ganz wichtiger Bestandteil zu seiner Ausstellung auch das ausführliche und mit größter Sorgfalt gestaltete Buch “Nexo” (Spanisch/Englisch), das man im Buchladen des Centro Cultural Recoleta erwerben kann.

Erschienen im “Argentinischen Tageblatt” am 1.12.2001.

Fotos, instalaciones, videos y textos de Marcelo Brodsky en el Centro Cultural Recoleta

Por Susanne Franz

Marcelo Brodsky encontró esta parte de la letra “A” de la fachada de la AMIA junto al Río de la Plata, donde arrojaron los restos del edificio después del ataque. Muestra la piedra en la exposición.

La muestra “Nexo” del fotógrafo argentino Marcelo Brodsky ilumina una parte de la historia argentina de manera documentalista y sobria, pero a la vez cargada de emoción. “Nexo”, del latín “nexus”, significa conexión, o vínculo. Brodsky pretende conectar su vida y su historia con la historia de su país y a la vez incluir su visión dentro de un contexto más amplio. Describe eventos históricos diferentes y los pone en paralelo, invitando así al espectador a hacer la conexión y completar la obra: una eficiente prueba didáctica, ya que cada uno está invitado a entrar en diálogo con lo presentado, y darle otra dimensión más agregando su propia historia.

En una tabla de mármol de la catedral de Erice (Italia) están grabadas las fechas de 1621 hasta 1687, junto a todos los horrores que sufrió la ciudad en ese tiempo: peste, guerras, invasiones, inundaciones. Al lado, el siglo XX según Marcelo Brodsky, que empieza con la inmigración de su abuelo en el año 1905. Hay golpes militares, democracias, y en 1976 el golpe que lo enviará al exilio en 1978. Y sigue: “1979: Secuestran a mi hermano. 1980: Mi hermano desaparecido. 1982: Guerra. 1983: Democracia. 1984: Regreso al país.”

Con sus instalaciones, ensayos fotográficos y videos, Brodsky abarca con un lenguaje técnicamente perfecto y visualmente atractivo una cantidad de temas como los archivos de los desaparecidos, la destrucción de los libros durante la dictatura, el desmoronado “Bosque de la Memoria” en Tucumán, o el ataque contra la AMIA en 1994 con 85 víctimas. Sus obras, en las cuales se diluyen a veces los límites entre el “arte” y el “monumento de la memoria”, son valiosas contribuciones a una discusión sobre la historia argentina reciente.

Una parte esencial de la exposición es el libro “Nexo”, editado muy cuidadosamente (en castellano e inglés) por Brodsky: es mucho más que una mera documentación de la muestra. Se puede conseguir en la librería del Centro Cultural Recoleta.

Publicado en “Argentinisches Tageblatt” el 01/12/2001.

Solidarisches Projekt der Künstlerin Patricia Hakim

Von Susanne Franz

Eine Woche nach dem offiziellen Schulschluss herrscht in der „Escuela de Educación Media ,Santo Domingo Savio’” in Beccar, die gleich am Rand des Armenviertels „La Cava” liegt, noch ein reges Treiben. Die Zufahrtsstraßen zu der riesigen „villa” sind alle bewacht – an jeder Ecke stehen Trauben von Provinzpolizisten mit Schnellfeuergewehren und kontrollieren den Verkehr. Der knallrote VW von Patricia Hakim rollt unbehelligt an den Wachen vorbei und bleibt einen Häuserblock weiter vor der Schule stehen. Die Bildhauerin ist in den letzten Monaten jede Woche hierher gefahren, um einen Workshop in Industriedesign und Fertigung von Objekten zu unterrichten.

Oben im ersten Stock warten drei Schülerinnen. Heute soll letzte Hand angelegt werden an die Stücke, die sie im Verlauf des Kurses entworfen haben. „Ich habe nur die besten Schülerinnen bekommen”, erzählt Patricia. „Die Auswahl hat die Direktorin Ana María Cerquetti nach ihren eigenen Kriterien getroffen.” Insgesamt haben zwölf Mädchen im Verlauf der letzten Monate an dem Workshop teilgenommen, nicht immer regelmäßig. Da ist es wirklich erstaunlich, was sie gelernt und geleistet haben.

Selbstständigkeit möglich machen

„Mein Ziel war es, den Jugendlichen einen Weg zu zeigen, ihre eigenen Designs zu entwerfen und herzustellen”, erklärt Patricia ihr Projekt. ,.Dabei haben wir uns zu Anfang des Kurses erst eine Zielgruppe vorgestellt: Für wen wollen wir was anfertigen? Die Mädchen wollten fast alle Geschenke für Freundinnen oder Familienmitglieder machen: So entstanden Kerzenständer und Räucherstäbchenhalter, Aschenbecher, Mobiles, Wappen des Lieblings-Fußballclubs, kleine Schuhe, Weihnachtsdekoration, Döschen, Menschen- oder Tierfiguren.”

Daisy (17), Sofía (15) und Soledad (16) haben sich mittlerweile an die Tische gesetzt und sind fleißig dabei, zu schleifen, zu feilen oder ein fertiges Stück zu bemalen. Während Patricia ihre Fortschritte beobachtet und immer mal wieder erklärend eingreift, erzählt sie weiter. „Ich habe alle möglichen Rohmaterialien mitgebracht und den Mädchen erklärt, wie man damit umgeht. Danach hat jede ein Objekt entworfen, und danach ging es an die Herstellung.” Theoretisch und praktisch mit Materialien und Werkzeugen arbeiten zu lernen, fördere nicht zuletzt auch das Selbstbewusstsein und den Teamgeist der Jugendlichen.

„Ich möchte ihnen eine berufliche Perspektive eröffnen, dass sie sich vorstellen können, selbst ein kleines Mini-Unternehmen zu starten”, ist Patricias Idee hinter ihrem Projekt. „Deshalb zeige ich ihnen, wie man ein Objekt entwirft, davon eine Guss-Form herstellt und diese dann für eine Serienfertigung benutzt.” Patricia verwendet billige Materialien wie Kaltporzellan, Latex und Gips, mit dem Hintergedanken, „dass die Mädchen das auch selbst kaufen könnten”. Außerdem haben diese Materialien eine niedrige Frustrationsschwelle: „Die Jugendlichen sehen schnell Resultate.”

Mit großem Hallo kommt – 1 1/2 Stunden nach Unterrichtsbeginn – Miriam hereingeschneit. Sie ist vor kurzem 15 geworden, der wichtigste Geburtstag für argentinische Mädchen, und Patricia gratuliert ihr gebührend. Miriam hat schöne Babyschuhe aus Kaltporzellan entworfen und muss nun nur noch die Guss-Form fertig machen. Sie bestreicht die Schuhe mit flüssigem Latex und beginnt, es trocken zu föhnen.

Die vier Mädchen sitzen einträchtig zusammen, während Patricia ihnen wie beiläufig ein paar Fragen zum Abschluss stellt. Ob sie Kritik hätten? Verbesserungsvorschläge? Sie lächeln schüchtern. Es wäre gut, wenn alles etwas schneller gehen könnte. „Das Material braucht seine Zeit, und ihr müsst lernen, sie zu respektieren”, erklärt Patricia geduldig.

Mittlerweile ist Miriams Latex-Gussform fertig. Patricia zeigt ihr, wie man Gips anrührt und die flüssige Masse in die Form füllt. „So, das braucht jetzt fünfzehn Minuten zum Trocknen.” Soledad hat unterdessen ihren Christbaumschmuck fertig angemalt, und Daisy hat den Deckel ihrer Dose fertig abgeschliffen. Als die Gips-Schuhe trocken sind, kommt Feier-Stimmung auf. Ein selbst modelliertes Objekt, von dem man mit billigem Rohmaterial beliebig viele Stücke serienmäßig fertigen kann – das alles kann man also wirklich selber machen!

Sein Scherflein beitragen

Vielleicht werde sie nächstes Jahr weiter hier unterrichten, erzählt Patricia auf der Rückfahrt. Aber darauf hat sie keinen Einfluss. Ihr Projekt, für das sie einen Preis der Kulturabteilung der Kunst-Universität IUNA (Instituto Universitario Nacional de Arte) erhalten hat, war zeitlich begrenzt und ist nun beendet. Allerdings haben verschiedene Stellen Interesse daran bekundet, dass die erfolgreiche Arbeit weitergeführt wird.

Patricia Hakim hat viel Energie in ihr Projekt gesteckt: Bevor sie ihre Idee beim IUNA vorgestellt hat, hat sie zunächst den Rückhalt der St. Andrew’s-Universität gewonnen, die ihr wiederum den Kontakt zur Schule in „La Cava” vermittelte. Sie hat dort ihre Zeit investiert, die Anfahrtskosten getragen sowie die Mittel für die Materialien vorgestreckt.

Und das war nur die eine Hälfte des Projekts: Mit Unterstützung des Gemeindeamtes des Stadtbezirks Belgrano (Centro de Gestión y Participación Nr. 13), das die Stiftung „Steps” in Belgrano als Wirkungsort vorschlug und den Kontakt herstellte, hat sie auch einen Workshop für geistig Behinderte geleitet. Hier hat sie den Kursteilnehmern ihre eigenen Designs als Grundlage zur Verfügung gestellt und sie gelehrt, mit verschiedenen Materialien umzugehen, um die Objekte in Serie zu fertigen. Da „Steps” über etwas mehr Mittel verfügt als die Schule in „La Cava”, war es Patricia hier möglich, mit teureren Materialien wie z.B. Polyester oder Silikon zu arbeiten. Dass der Kurs bei „Steps” im Jahr 2004 weiter geht, ist übrigens bereits gesichert: Die Stiftung hat dafür eine Förderung des Staatssekretariats für soziale Entwicklung (Secretaría de Desarrollo Social) bekommen.

Warum hat Patricia „ihr” Jahr 2003 diesem Projekt gewidmet? „Künstler sein ist eine sehr egozentrische Angelegenheit”, sagt sie. „Ich habe mich gefragt, wie ich von meiner Position aus helfen kann in einem Land, das tief in der Krise steckt. Wie kann ich als Künstlerin meinen Teil dazu beitragen, dass es wieder aufwärts geht?”

Handeln zu können, einzugreifen, und vielleicht anderen, weniger Begünstigten, einen Weg zu mehr Eigenständigkeit zu eröffnen: Indem sie uneigennützig weitergibt, was sie kann und weiß, hat Patricia auch ihre eigene kreative Laufbahn um eine neue Facette bereichert.

Der Artikel erschien am 24.1.2004 im “Argentinischen Tageblatt”.

Fotos von Susanne Franz.

Biographisches

Patricia Hakim wurde 1963 in Buenos Aires geboren. Von 1981-85 studierte sie Architektur; 1987 schloss sie die Kunstschule Prilidiano Pueyrredón ab. Von 1988-89 studierte sie Bildhauerei an der Escuela Superior Ernesto de la Cárcova, wo sie seit 1994 unterrichtet.

Einzelausstellungen

2003 – Centro Cultural Recoleta / La Casona de los Olivera
2001 – Instituto de Cooperación Iberoamericana (ICI) / Instituto Argentino del Envase / Centro Costa Salguero
1997 – Centro Cultural Borges
1996 – Museo de Escultura L. Perlotti
1993 – Galería Atica

Gemeinschaftsausstellungen (Auswahl)

2003 – Estudio Abierto, Harrods / Arte al plato!, Centro Cultural Recoleta / Arte en Progresión 3, Centro Cultural San Martín
2002 – arteBA / Estudio Abierto / Museo Nacional de Bellas Artes / Camitas, Centro Cultural Recoleta
2001 – Autorretratos, Centro Cultural Borges / Puro Diseño / Jardinarte
1999 – arteBA
1997 – arteBA / ’97, Centro Cultural Recoleta / Badii y sus amigos, Fundación Banco de Crédito Argentino
1996 – Salón Nacional de Mar del Plata / A:e,i u o, Centro Cultural Recoleta

Auszeichnungen

2003 – Ehrenerwähnung „Premio Banco Ciudad”
2002 – 1. Preis im 2. Skulpturenwettbewerb „Boulevar Azucena Villaflor”, Corporación Antiguo Puerto Madero S.A. und Fundación arteBA
1999 – Stipendium Fondo Nacional de las Artes
1996 – 1. Preis (Bildhauerei) Rotary International
1994 – Ehrenerwähnung (Bildhauerei) Salón Manuel Belgrano
1993 – 1. Preis (Bildhauerei) „Homenaje a Marshall Meyer”
1992 – Stipendium Fundación Antorchas
1991 – 2. Preis (Bildhauerei) „Bienal de Arte Joven”, Puerto Madero

Proyecto solidario de la artista plástica Patricia Hakim

Por Susanne Franz

Aunque pasó una semana desde el final oficial de clases, la Escuela de Educación Media “Santo Domingo Savio”, de Beccar, ubicada en una punta del barrio “La Cava”, todavía zumba con actividad. Las calles que llevan a la inmensa villa están vigiladas rigurosamente: en cada esquina se ven grupos de guardias armados que controlan el tránsito.

No se molestan con el VW rojo shocking de Patricia Hakim que pasa lentamente y para frente a la escuela una cuadra más adelante. Ya conocen el auto de la escultora que estuvo yendo a la escuela durante las últimas semanas para dar un taller de diseño industrial y fabricación de objetos.

Sólo tres alumnas esperan a Patricia en el primer piso. Hoy se supone que van a dar los toques finales a los objetos que han desarrollado durante el curso. “Me pasaron sólo las mejores alumnas”, cuenta Patricia. “Las seleccionó según sus propios criterios la directora, Ana María Cerquetti.” Fueron 12 chicas en total que participaron del taller en el curso de los últimos meses, no siempre de una forma regular. Considerando esto, es una maravilla todo lo que han producido y aprendido.

Incentivar la independencia

“Quise mostrar a las chicas cómo crear sus propios diseños y además fabricarlos”, delinea Patricia su proyecto. “Para lograr esto, lo primero que hicimos en el curso fue imaginarnos un grupo de destinatarios, es decir, para quiénes queríamos fabricar qué clase de objetos. Resultó que a casi todas las chicas les agradaba la idea de hacer regalos para amigos o familiares. Por ese motivo crearon veladores, portadores de sahumerios, ceniceros, móviles, los escudos de su club de fútbol favorito, zapatos chiquitos, decoración navideña, carameleras o figuritas de personas o animales.”

Daisy (17), Sofía (15) y Soledad (16) ya están sentadas frente a sus mesas y metidas en sus tareas, lijando, limando o pintando objetos. Patricia observa sus avances y de vez en cuando explica algo o ayuda a una de las chicas, mientras sigue contando: “Traje toda clase de materiales y expliqué a las chicas cómo usarlos. A continuación cada una diseñó un objeto, para después fabricarlo.” Patricia destaca que aprender a usar materiales y herramientas fomenta además la autoestima y el espíritu de equipo entre los jóvenes.

“Quise abrirles una perspectiva laboral”, describe Patricia la idea principal de su proyecto, “para que se puedan imaginar hacer sus propios mini emprendimientos. Por eso les enseño todo el proceso desde el diseño de un objeto, y cómo después se hace un molde para poder fabricar el objeto en serie.” Patricia usa materiales baratos como porcelana fría, látex o yeso, para que las chicas tengan la posibilidad de acceder a ellos en el futuro. Otra ventaja es el bajo umbral de frustración. Dice Patricia: “La chicas ven resultados rápidamente.”

Saludando con mucho ruido y buen humor, entra Miriam a la clase. Una hora y media tarde. Acaba de cumplir 15 años -el cumpleaños más importante para las chicas argentinas- y Patricia la felicita especialmente. Miriam ha diseñado zapatos de bebé muy lindos, con porcelana fría, sólo le falta completar el molde. Cubre los zapatos con látex líquido y empieza a secarlo con un secador de pelo.

Las cuatro chicas trabajan pacíficamente mientras Patricia -como al pasar- les hace preguntas para redondear el curso. ¿Tienen criticas? ¿Ideas para mejorar? Hay sonrisas tímidas. Sería bueno si todo se pudiera hacer un poco más rápido. “Los materiales tienen sus tiempos”, explica Patricia con mucha paciencia. “Hay que aprender a respetarlos.”

Mientras tanto, el molde de látex de Miriam está completado. Patricia le muestra cómo se prepara el yeso. Llenan el molde con la masa líquida. “Ahora tenemos que esperar 15 minutos para que se seque.” La decoración navideña de Soledad también está lista, y Daisy ha logrado lijar de manera muy pareja la tapa de su caramelera. Cuando los zapatitos de yeso están secos, hay una atmósfera de alegría en la sala. Es realmente posible hacerlo: ¡diseñar un objeto propio con materiales muy baratos, y tener la posibilidad de fabricar este objeto en serie!

Aportando lo propio

Volviendo a Buenos Aires, Patricia cuenta que no sabe todavía si va a seguir enseñando en la escuela de Beccar el año que viene. El exitoso proyecto -que ganó un premio de la Secretaría de Cultura del IUNA (Instituto Universitario Nacional de Arte)- se había planteado para un tiempo limitado y ahora está terminado. Pero hay varias instituciones interesadas en seguirlo.

Patricia Hakim ha puesto mucha energía para idear su proyecto. Antes de presentarlo en el IUNA, obtuvo primero el respaldo de la Universidad de San Andrés, a través de la cual se estableció el contacto con la escuela de “La Cava”. Invirtió su tiempo libre, pagó los viáticos y adelantó la plata para los materiales.

El taller en Beccar era sólo la mitad del proyecto. Patricia ofreció también un curso para personas con discapacidad intelectual, con el respaldo del Centro de Gestión y Participación N° 13 en Belgrano, que hizo el contacto con la Fundación Steps. En este curso, Patricia puso sus propios diseños a la disposición de los alumnos, les enseño a usar diferentes materiales y cómo fabricar en serie los objetos diseñados. Como la Fundación Steps contaba con algo más de fondos que la escuela de Beccar, Patricia usó materiales más costosos como silicona y poliéster.

Ya está asegurado que el curso en la Fundación Steps va a seguir en el año 2004. Para financiarlo, se consiguió un subsidio de la Secretaría de Desarrollo Social.

Patricia ha puesto gran parte de “su” año 2003 en estos proyectos. ¿Por qué? “Ser artista es algo muy egocéntrico”, dice ella. “Me pregunté cómo puedo ayudar, cómo artista, en un país en crisis, para que las cosas mejoren un poco.”

Actuando, metiéndose, compartiendo sus conocimientos y experiencias de forma desinteresada, Patricia muestra a otros, quizás menos privilegiados, un camino a la autoayuda. Haciéndolo, enriquece también su propia carrera artística.

El artículo salió el 24/01/04 en el “Argentinisches Tageblatt”.

Fotos de Susanne Franz.

La artista

Patricia Hakim nació en Buenos Aires en 1963. Estudió arquitectura entre 1981 y 1985. En 1987 egresó de la Academia de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. En los años 1988 y 89 estudió escultura en la Escuela Superior Ernesto de la Cárcova, dónde es docente desde 1994.

Exposiciones individuales

2003 – Centro Cultural Recoleta / La Casona de los Olivera
2001 – Instituto de Cooperación Iberoamericana (ICI) / Instituto Argentino del Envase / Centro Costa Salguero
1997 – Centro Cultural Borges
1996 – Museo de Escultura L. Perlotti
1993 – Galería Atica

Exposiciones grupales (selección)

2003 – Estudio Abierto, Harrods / Arte al plato, Centro Cultural Recoleta / Arte en Progresión 3, Centro Cultural San Martín
2002 – arteBA / Estudio Abierto / Museo Nacional de Bellas Artes / Camitas, Centro Cultural Recoleta
2001 – Autorretratos, Centro Cultural Borges / Puro Diseño / Jardinarte
1999 – arteBA
1997 – arteBA / ’97, Centro Cultural Recoleta / Badii y sus amigos, Fundación Banco de Crédito Argentino
1996 – Salón Nacional de Mar del Plata / A:e,i u o, Centro Cultural Recoleta

Premios

2003 – Mención de Honor „Premio Banco Ciudad”
2002 – 1º Premio en el 2º Concurso de Escultura “Boulevar Azucena Villaflor”, Corporación Antiguo Puerto Madero S.A. y Fundación arteBA
1999 – Beca Fondo Nacional de las Artes
1996 – 1º Premio (Escultura) Rotary International
1994 – Mención de Honor (Escultura) Salón Manuel Belgrano
1993 – 1º Premio (Escultura) „Homenaje a Marshall Meyer”
1992 – Beca Fundación Antorchas
1991 – 2º Premio (Escultura) „Bienal de Arte Joven”, Puerto Madero