Suche nach der Inspiration (1998)

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Die Aquarellmalerin Irene Luedicke

Von Susanne Franz

Eigentlich ist sie Architektin und Städteplanerin, hat Grafik/Design studiert und war als Landschaftsgestalterin tätig. Diese kreativen, aber in ihrer Definition schon sehr rationellen und eingegrenzten Beschäftigungen haben Irene Luedicke nie genügt. Sie
begann bereits neben ihrer Ausbildung, sich mit der Malerei auseinanderzusetzen und zeichnen zu lernen. Sie zählt unter anderen auch den berühmten Künstler Kenneth Kemble zu ihren Lehrern. Immer auf der Suche nach der Ausdrucksform, die ihr am besten liegen würde, traf sie auf die renommierte Malerin Nelly O’Brien de Lacy, bei der sie die ersten Schritte ins aufregende Neuland der Aquarellmalerei tat.

Bei dieser schwierigen Technik ist Irene geblieben. Sie hat sie sich zu eigen gemacht und sie bereichert, indem sie immer neue Ideen ausprobiert, mit ihnen experirnentiert, sie verfeinert hat. Bei einer ihrer letzten Ausstellungen war ihre ehemalige Lehrerin anwesend und fand kaum Worte. “Du hast so viel aus dem gemacht, was ich Dir beigebracht habe”, sagte sie.

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En busca de la inspiración (1998)

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La acuarelista Irene Luedicke

Por Susanne Franz

Arquitecta y urbanista de profesión, estudió diseño gráfico, y se desempeñó como paisajista. Sin embargo nunca le alcanzaron esas tareas tan creativas por un lado pero, a su juicio, racionales y limitantes. Cuando todavía estudiaba empezó a interesarse por la pintura y comenzó a estudiar dibujo. Fue alumna nada menos que del famoso artista Kenneth Kemble. En su búsqueda permanente del mejor medio para expresarse, encontró a la renombrada pintora Nelly O’Brien de Lacy, y con ella dio sus primeros pasos en el excitante campo de la acuarela.

Irene se quedó así con esta difícil técnica. La hizo suya, la enriqueció probando siempre nuevas ideas, experimentando y sintetizando. Su profesora Nelly casi se quedó sin palabras en una de las últimas muestras de la artista. “¡Hiciste tanto con lo que te enseñé!”, se maravilló.

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Auf verlorenem Posten (1998)

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In Decastellis Installation “estigma” kämpft die Natur gegen die Ratio

Von Susanne Franz

Stacheln werden aufgestellt, Rücken gekrümmt: So wirken wir größer und gefährlicher! Wie, das nützt nichts? Drohgebärden müssen her: Zähnefletschen, gesträubtes Fell, verengte Pupillen. Immer noch keine Reaktion? Rotten wir uns zusammen, stellen wir uns Rücken an Rücken, kampfbereit.

Eine kleine Gruppe wilder Tiere, vom Künstler Osvaldo Decastelli in gewohnt perfekter Form aus Wellpappe gefertigt, kämpft in der Installation “estigma” ihren letzten verzweifelten Kampf. Nur noch wenige Exemplare sind übrig, und sie wirken gar nicht bedrohlich, eher rührend in ihrem Versuch, durch primitive Einschüchterungsversuche ihren Lebensraum zu verteidigen. Sie kämpfen auf verlorenem Posten, denn sie fallen einem Feind zum Opfer, den sie unmöglich einschätzen können: der kühlen, sachlichen Klassifizierung. Sie verkommen zu Nummern und lösen sich in nichts auf, sie sind hoffnungslos in die Ecke gedrängt, traurige Überbleibsel eines einst stolzen, freien Lebens.

Osvaldo Decastelli arbeitet in seiner Installation mit der Gegenüberstellung. Die aus organischem Material hergestellten Tier-Exemplare stehen in einem schlauch-ähnlichen Flur des Museums Sívori, das die Ausstellung beherbergt. Zwei Türen führen ins Freie, aber der Fluchtweg ist versperrt: Grabstein-ähnliche Steine, jeweils mit einer Zahl versehen, sind vor ihnen angeordnet. Vor dem Flur zwei Computer, auf denen jeweils, von sphärischer Musik begleitet, ein Programm abläuft, das die Tiere zeigt, wie sie in Nummern und Segmente aufgeteilt werden und schließlich ganz den nackten Zahlen weichen.

Der Mensch ist nicht sichtbar, ganz klar wird aber sein Motto: “Wozu brauchen wir noch die Natur? Wir können doch alles simulieren!” Bewusst wird einem der Zynismus beim Anblick der zotteligen, unbeholfenen Kreaturen, die von der Natur mit einem Überlebensprogramm ausgestattet wurden, das schon lange veraltet ist.

Erschienen im “Argentinischen Tageblatt” vom 7. März 1998.

Lucha sin esperanza (1998)

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En la instalación “estigma” de Decastelli, la naturaleza se enfrenta a la razón

Por Susanne Franz

Erguimos las púas, redondeamos las espaldas: ¡así parecemos más grandes y peligrosos! Pero cómo… ¿no funciona? Entonces hacen falta gestos amenazadores: mostramos los dientes, ponemos los pelos de punta, achicamos las pupilas. ¿Ninguna reacción todavía? Es tiempo de agruparnos espalda con espalda y prepararnos para luchar.

En la instalación “estigma”, un pequeño grupo de animales salvajes -creados en cartón corrugado por el artista Osvaldo Decastelli, con la maestría de siempre- emprende su última lucha desesperada. Solo quedan unos pocos ejemplares… Pero en su intento de defender su espacio vital no parecen en absoluto amenazadores, al contrario, dan lástima. Luchan una lucha sin esperanza porque son víctimas de un enemigo imprevisible: la clasificación fría e imparcial de las especies. Se van degradando para transformarse en números y después desaparecen. Arrinconados como están, sin salida, son los restos tristes de la vida libre y orgullosa que alguna vez llevaron.

Osvaldo Decastelli trabaja con contraposiciones. Los animales, hechos de un material orgánico, están situados en una sala angosta con forma de pasillo del Museo Sívori, donde se exhibe la instalación. Hay dos puertas que llevan hacia afuera, pero no se puede huir: las salidas están bloqueadas por dos piedras que parecen lápidas sepulcrales. Cada una tiene un número. Delante del pasillo hay dos computadoras, y corriendo por sus pantallas un programa muestra los animales segmentados y numerados, hasta que no queda nada de ellos y no se ve más que los números. Todo esto va acompañado de una música esferoidal.

El hombre no está a la vista, pero se percibe muy claramente su mensaje: “¿Para qué necesitamos la naturaleza si somos capaces de simular todo?” El cinismo de esto se hace palpable cuando uno contempla estas criaturas torpes y desprolijas, a las que la naturaleza confirió un programa de supervivencia que hace tiempo ha quedado obsoleto.

Publicado en “Argentinisches Tageblatt” del 7 de marzo de 1998.

Alptraumhaft poetisch (1997)

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Armando Sapias kleine große Zeichnungen

Von Susanne Franz

Armando Sapias 1997-er Jahrgang ist starker Tobak. Aber er ist besser denn je, seine Tuschzeichnungen scheinen wie schwerelos und ohne Mühe aus Traumbildern entstanden, und seine Anlehnung an das Comic-Genre tut seiner Ernsthaftigkeit als großer Künstler keinen Abbruch – noch nimmt sie auch nur ein bisschen von dem Schrecken, den diese “kleinen” Zeichnungen zum Ausdruck bringen.

Armando Sapia ist zu dem Format zurückgekehrt, das seine Werke am intensivsten zur Geltung bringt: der relativ kleinformatigen Zeichnung.

Noch im letzten Jahr zeigte er in der Galerie Atica auch große Bilder, in denen sein durch impulsive Striche charakterisierter Stil sich ein wenig verlor.

Jetzt beweist Sapia wieder in alter Frische: weniger ist mehr. Blatt für Blatt bietet er dem Zuschauer dichte, alptraumhafte Szenarien von trauriger Poesie. Brennende Häuser, Berge von großen oder kleinen Toten, Menschenmassen, die mit Vorliebe auf sinnlos sich windenden Wegen dahineilen, Stacheldrahtzäune, tote Bäume, inszenierte Autounfälle.

Sapias Bilder sind überbevölkert wie die Erde, bewohnt von monsterähnlichen Roboterwesen, die eifrigst an der Zerstörung ihrer Umwelt arbeiten, nicht hilflose Opfer sind. “Wir sind ganz kurz vor dem Ende angelangt”, mahnen diese apokalyptischen Zeichnungen.

Der Artikel erschien am 4.10.1997 im “Argentinischen Tageblatt”.

Die Zeichnungen stammen von der Homepage Armando Sapias.

Pesadilla poética (1997)

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Los grandes dibujos chicos de Armando Sapia

Por Susanne Franz

La obra de Armando Sapia del año 1997 golpea fuerte. Pero al mismo tiempo es mejor que nunca. Sus tintas flotan sin gravedad, sin esfuerzo alguno, parecen haber nacido de imágenes soñadas. No desvaloriza su seriedad como gran artista la orientación más fuerte hacia el género del comic —y tampoco se alivia en lo más mínimo el horror que transmiten estos “pequeños” dibujos.

Armando Sapia vuelve con el formato que mejor transmite la intensidad de sus obras: el dibujo relativamente chico.

El año pasado mostró —también en la galería Atica— obras más grandes, donde se perdió un poco su estilo caracterizado por trazos instintivos.

Ahora, Sapia da la prueba, con toda frescura, de que menos es más. Hoja por hoja, ofrece al espectador escenas densas, pesadillescas, llenas de triste poesía. Casas en llamas, montañas de muertos, masas de personas que corren sin sentido por calles serpenteantes, tramos de alambre de púa, arboles muertos, choques de autos.

Los dibujos de Sapia son sobrepoblados como la Tierra. Abundan en ellos seres robóticos monstruosos, que trabajan con toda energía en la destrucción del medio ambiente. No son víctimas desamparadas. “Estamos a pocos pasos del fin”, advierten estas obras apocalípticas.

Artículo publicado en el “Argentinisches Tageblatt” del 4/10/1997.

Los dibujos provienen del sitio de Armando Sapia.

Türen, die sich nach innen öffnen (1998)

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Horacio Coppolas Ausstellung weiht den neuen Sitz des “Foto Club Argentino” ein

Von Susanne Franz

Ein kleiner Ausstellungsraum in einem renovierten alten Patrizierhaus, frisch weiß gestrichene Wände, orange abgesetzte Stuckdecken. Im Zwischenstock blättert der Putz von den Wänden, ein Schild weist darauf hin, das die Arbeiten noch in vollem Gange sind. Seit Anfang des Jahres ist der “Foto Club Argentino” an seiner neuen Adresse in der Perón 1606 (Ecke Montevideo), die drei ehrenamtlichen Angestellten haben das alte Haus so gut wie in Eigenregie hergerichtet. Deshalb konnte der lange erträumte Ausstellungssaal “Espacio de Exposiciones” erst jetzt, im Novernber, eingeweiht werden. Hier wollen die Fotofanatiker im Monatsrhythmus sowohl Werke schon bekannter oder gar berühmter argentinischer Fotografen zeigen als auch jungen, unbekannten Künstlern Raum geben, sich einem breiteren Publikum vorzustellen.

Mittwoch, 25. November. Man muss Treppen klettern, um zum neuen Ausstellungssaal hochzusteigen, aber heute hat Raúl Rodríguez, Vorsitzender des Foto Clubs, auch den Aufzug angeworfen. Immerhin ist der Ehrengast des Abends, einer der größten argentinischen Fotografen, nicht mehr der Jüngste, obwohl man ihm seine 92 Jahre nicht ansieht. Begleitet wird der Künstler wie immer von seiner charmanten Ehefrau Raquel. Die beiden strahlen, hat sich doch zur Eröffnung der Ausstellung eine große Besuchermenge eingefunden. Von überallher regnet es Lob und Bewunderung, auch und gerade von ganz jungen Fans.

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Puertas que se abren hacia adentro (1998)

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Una muestra de Horacio Coppola inaugura la nueva sede del “Foto Club Argentino”

Por Susanne Franz

El espacio para exposiciones es bastante pequeño, pero las paredes están recién pintadas, y las molduras en los techos remarcadas en naranja. En el entrepiso de la vieja casona reciclada, mientras tanto, las paredes se caen, y un cartel advierte que las reparaciones están por la mitad. Ya a comienzos del año el “Foto Club Argentino” se mudó a su nueva sede en la calle Perón 1606 (esquina Montevideo). Los tres colaboradores ad honorem han hecho casi todo el trabajo de restauración solos. Es por eso que recién ahora, en noviembre, se puede abrir el espacio de exposiciones tan anhelado por todos. Los fanáticos de la fotografía del Club quieren exponer en ritmo mensual obras de fotógrafos argentinos renombrados, pero también quieren dar la oportunidad a jóvenes artistas no tan conocidos de presentarse ante un público más amplio.

Miércoles, 25 de noviembre. Hay que subir escaleras para llegar a la nueva sala de exposiciones. Sin embargo hoy Raúl Rodríguez, el presidente del Foto Club, hace andar el ascensor. Es que el invitado de honor de esta noche ya tiene sus años: 92 para ser precisos. No se le notan a este fotógrafo mítico, que como siempre viene acompañado por su encantadora esposa Raquel. Están radiantes los dos frente a la gran cantidad de visitantes en la inauguración, que los llenan de elogios. Llama la atención el gran número de admiradores jóvenes.

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Himmel über Argentinien (1998)

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Eduardo Iglesias Brickles im Centro Cultural Recoleta

Von Susanne Franz

Im Vorraum der “Sala C” des Centro Cultural Recoleta – einer der in diesem Jahr neu eingerichteten klimatisierten Ausstellungsräume neben dem Cronopios-Saal – hängen zwei Boxkampf-Bilder, die wir aus der Ausstellung “Paraísos perdidos” des Künstlers Eduardo Iglesias Brickles in der Galerie Atica vor zwei Jahren kennen. Parallelen zu den jüngsten Werken sind festzustellen, und gleichzeitig wird im Kontrast der Schritt vorwärts deutlich, den der Künstler in seinen neuesten Werken gemacht hat.

Der dunkle Rahmen, der alle Szenen der früheren Bilder wie in einem Spotlight hervortreten ließ, ist bei einigen der gigantischen Gesichter, die Iglesias Brickles jetzt in seiner expressionistischen Holzschnitt-Gemälde-Technik malt, noch vorhanden, dann fällt er ganz weg; die Gesichter schweben wie riesige Luftballons über Landschaften, vor Häuserfronten, über Pflastersteinen; sie sind von Diamanten umgeben wie in dem Bild “Cielo argentino con diamantes”, das der Ausstellung den Namen gibt, von Dreiecken wie im “Mystiker” mit den geschlossenen Augen, und anderen Symbolen.

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